El veterano actor y director Jacinto Molina, más conocido por su “alias” artístico de Paul Naschy, astro de culto del cine de terror español de los 60 y 70, con decenas de distintos personajes tan propios del género como el hombre lobo, Drácula, Mr Hyde y algún que otro jorobado, ha fallecido este martes 1 de diciembre en Madrid, víctima de un cáncer a los 75 años. Deja un próximo film póstumo, La herencia Valdemar, y una enorme lista de admiradores en todo el mundo, entre ellos Quentin Tarantino  o Steve Spielberg.

Y eso que hace muy poquito, en nuestro programa A través del espejo de UNIRADIO , teníamos la oportunidad de hablar de la vasta producción existente de películas sobre licántropos y hombres lobo. Un estudio que comenzaba con una reflexión histórico-mágica del mito del hombre lobo, pasando por los antecedentes literarios y comenzando por los primeros ejemplos en cine hasta llegar a la fecha actual. En ese recorrido hicimos un inciso para destacar la figura de Paul Naschy, trabajo que recayó en manos del compañero Alfonso Merelo, quien nos reveló que tanto el nombre artístico de Naschy como el de su personaje Waldemar Daninsky fueron una estrategia para eludir la censura franquista que no veía con muy buenos ojos que un hijo español encarnase la mitica figura del licántropo que acecha a la masa en noches de luna llena. Oportunidad que también servía para informar de la aparición de una biografía muy completa realizada por la revista Scifiworld.

Los compañeros de Paul Naschy en su última película, La herencia Valdemar, -rodada hace un año y cuyo estreno será en enero- declaraban que Naschy era «un hombre extraordinario y un apasionado de su trabajo», y a quien agradecen el haber compartido con ellos «sus infinitas anécdotas» vividas a lo largo de toda su carrera. El cineasta José Luis Alemán, director del filme-quien para debutar ha decidido adaptar al maestro Lovecraft- se mostró «sorprendido» por la noticia, ya que «aunque la esperábamos porque padecía un cáncer en su forma más grave desde hacía un año, se nos ha ido muy rápido». Alemán asegura que trabajar con él fue «una gozada» y admite que la cinta es, en realidad, «un homenaje» al actor, «el motor del cine fantástico clásico español». «Paul fue la incorporación más clara que teníamos para la película por ser ésta un filme de terror de corte clásico. Él es, sin duda, el mejor maquinista del cine fantástico español», afirma el director y guionista, quien recuerda que durante el rodaje «mandábamos el ensayo a paseo para que Paul nos contara todas sus anécdotas»

Ante la inminente aparición de Luna Nueva, continuación de Crepúsculo, dentro de la saga vampírica creada por Stephanie Myer- sí, esos vampiros de instituto ciertamente un tanto suaves y tiernos-, y tras la últimamente lamentable producción cinematográfica en torno al mito de los no muertos que quieren ver nuestros queridos adolescentes ansiosos de sangre, vísceras, efectos especiales, acción a raudales y “draculas” esteroideos de gimnasio-leáse Blade, Underworld, Van Helsing (uff, qué dolor ésta última), Abierto hasta el amanecer, Buffy y demás productos similares carentes de gusto- arrojemos una lanza a favor de las películas de vampiros.

Para ello hay que volver la vista atrás, mucho más de otros productos contemporáneos, algunos ya considerados clásicos,  como Noche de miedo (Tom Holland, 1985), Jóvenes ocultos (Joel Schumacher, 1987), Los viajeros de la noche (1987, Kathryn Bigelow) o incluso Vampiros (John Carpenter, 1998). Hay que irse a los clásicos de los cuales hemos bebido los defensores de un cine de género de calidad. Películas que hemos consumido ya sea en plena madurez o incluso en nuestra más tierna infancia gracias a esas sesiones de cine de terror de los sábados por la noche que nos traía la caja tonta con Alucine o Noche de lobos.

En la mayoría de esas noches, aquellos que hoy rondamos los 25-30 años, descubríamos por primera vez esas películas de la Hammer Films con tanto escote generoso y sangre a borbotones en rabioso technicolor; pero no sólo ello, pues también conocimos por primera vez la mirada inquisidora de Vincent Price, o cómo El baile de los vampiros (Roman Polanski, 1968) desmontaba nuestras creencias en torno al mito del nosferatu presentándonos un vampiro judío al que no le afectan los signos cristianos.

Correspondiente a esa época es una pequeña joya que con el paso del tiempo se ha hecho de culto, a petición de la crítica, y que pasa por ser una de las historias más inteligentes del género de vampiros por tratar temas tan tabúes para aquel momento dorado del cine como la homosexualidad, el sacrilegio o el incesto. Por supuesto, temas siempre tratados con mucha elegancia y sutileza. Hablamos de Las novias de Drácula, la que estaba pensada como primera secuela del éxito que supuso Drácula (Terence Fisher, 1958) cuando la productora británica Hammer quiso seguir explotando el mito creado por Bram Stoker.

La historia se centra en Marianne Danielle, una joven profesora francesa, que viaja hasta una escuela de señoritas de alta alcurnia para impartir idiomas. Durante el camino, se apea en una fonda para reponer fuerzas, pero su diligencia desaparece dejándola sola en una tierra en la que es forastera. Viéndose en esa tesitura pide alojamiento en la posada, pero los propietarios aseguran no tener habitación para ella. Al poco aparece la anciana baronesa Meinster, dueña de las tierras de la región, que tras conocer su situación-algo que ella misma ha provocado sobornando al cochero para que se marche-la insta a que pernocte en su castillo y a reanudar el viaje con la primera luz de la  mañana. La joven acepta de buen agrado a pesar de las advertencias indirectas que el posadero y su mujer le hacen, asegurando sí tener ahora una habitación para ella.

Una vez en el castillo, la joven educadora es acompañada hasta la habitación que se ha dispuesto para su descanso por Greta, la ama de llaves . Al asomarse al balcón descubre a un hombre que pasea en un piso inferior al suyo. Durante la cena, Marianne le cuenta el hallazgo a la baronesa; ésta última revela que ese hombre es su hijo, un enfermo mental muy peligroso al que tiene recluido y aislado en el castillo, lejos de la sociedad. Al regresar a sus aposentos, Marianne no puede evitar volver a contemplar a este misterioso hombre, al cual descubre de pie sobre el balcón.

Pensando que se va a tirar al vacío, se lo impide de viva voz y baja velozmente hasta su habitación para reprocharle su conducta. Entonces descubre que se trata de un joven y apuesto galán, afligido por el trauma que supone estar apartado de todos y atado a una columna de su habitación. Le cuenta que no es ningún enfermo mental y que su madre le retiene en la soledad de su alcoba por el simple hecho de ser el único heredero legítimo de toda la fortuna de la familia. Marianne accede a liberarle sin saber que acaba soltar a un vampiro sediento de sangre, discípulo del conde Drácula.

Precisamente así, El discípulo de Drácula, fue como originarimante iba a titularse esta película, según el libreto de Jimmy Sangster, guionista de la anterior. En esta entrega, el barón Meinster era un vampiro que atormentaba la vida de las señoritas de una academia victoriana, especialmente a dos de ellas. El bueno de la historia, Letour, tendría finalmente que invocar al espíritu del conde Drácula para que le ayudase a acabar con el malvado vampiro. No sólo es un poco pretenciosa esta idea, sino que además parece demasiado inocente e infantil.

Sin embargo no sería ésta la razón por la cual cambiaría radicalmente el guión. El contratiempo vino de la mano de Christopher Lee quien se negó a repetir en el papel de Dracula por miedo al encasillamiento (algo que finalmente llegó); dicen las malas lenguas que por esta razón Lee no pronunció palabra alguna en la que sería años después la secuela real de la serie del Drácula hammeriano, Drácula, Príncipe de las Tinieblas. Cuentan que Jimmy Sangster le castigó sin guión por haberse opuesto a participar en la película que nos ocupa.

Por esta razón, el guión vivió una segunda redacción, que vino de la mano del guionista Peter Bryan. Éste eliminó a Lee de la historia, transformó a las dos chicas en una sola, la profesora Marianne Danielle, y recuperó a Van Helsing, el matadráculas, interpretado nuevamente por Peter Cushing. El guión se llamó entonces Drácula y los condenados, un título que después derivó en Las novias de Drácula.

La Hammer no quería otro Drácula, pero tampoco quería desvincular esta historia del conde vampiro, ya que su nombre en el título serviría para vender aún mejor una historia de calidad configurada para cumplir las exigencias del público de su antecesora. El nombre y la no presencia en pantalla del personaje de Stoker se justificaron con una introducción mediante voz en off que contextualiza la historia contando que el conde drácula esta muerto pero sus discípulos y adeptos continuan su obra de maldad. La sensación es que la sombra del conde envuelve la historia, que el vampirismo es como una enfermedad del alma que tiene un origen y su propagación depende de personajes tales como el barón Meinster.

Pero aún habría un tercer cambio en el guión debido a la insitencia de Peter Cushing por cambiar determinados detalles sobre su personaje con los que no estaba de acuerdo. Ése trabajo lo hizo Edward Percy, otro guionista de la casa; y aún así, hubo tiempo para antes de comenzar a rodar, el propio director Anthony Hinds metiese mano en el libreto. 

Por supuesto, una vez vista la película llega el momento de establecer comparaciones entre Christopher Lee y David Peel, siempre odiosas porque hay que salvar las distancias habida cuenta de que ambos actores ofrecen registros distintos. El Drácula de Lee es odioso, repulsivo, pero seductor; es fuerte tiene magnetismo con las mujeres y representa una aristocracia poderosa. Por su parte, el baron Meinster de David Peel es un vampiro joven que parece estar aún a punto de despegar, un tanto pusilánime y débil, pero que sabe ganarse el corazón de bellas e inocentes damiselas con esa carita de pena de teddy boy. Un auténtico embaucador, representante de una aristocracia venida a menos, procedente de una estirpe y linaje ya en decadencia.

Por supuesto, como anuncié unos párrafos más arriba, ésta es una de las películas más interesantes del género en tanto en cuanto aborda cuestiones que siempre nos hemos preguntado sobre los vampiros y su sexualidad, temás que se extrapolan a niveles generales, siendo tabúes en la sociedad de la época. Comencemos por el lesbianismo, presente en el argumento a través del personaje de la baronesa Meinster (Martita Hunt), la cual se “camela” a la joven profesora para que acceda a su invitación de pasar la noche en su castillo. La atracción que la anciana siente se vislumbra no solo en las miradas que dedica a Marianne sino que se confirma en el momento en que realiza una “visita” nocturna a la alcoba de nuestra heroína en ropa de salto de cama, quizás para mantener una “inocente y cordial” charla de amistad.

En segundo lugar vendría la homosexualidad, rasgo definitorio en el joven barón Meinster, ya que entre su madre y la ama de llaves hay varios diálogos que insinúan que el joven se “perdió” en las extrañas amistades del círculo aristocrático de la familia. De esta manera surge la idea de un conde Drácula perteneciente a este círculo de amistades y  causante de la vampirización del joven barón, lo que implicaría beber de su sangre. Con el paso del tiempo, hemos visto el acto de la vampirización  como sexual, por lo que desde el comienzo nos hemos hecho una serie de preguntas, ya que las películas no parecen ponerse de acuerdo unas con otras en crear un libro de estilo al respecto de esta idea. Tenemos dudas de si siempre ha de ser un vampiro-hombre el que muerda a una mujer o un vampiro-mujer quien muerda a un hombre. Éste es un concepto que no ha estado claro nunca porque a veces este rito se ha homosexualizado entre ambos géneros.

Y por último estaría el incesto, ya que durante la película se nos insinúa que el linaje Meinster ha ido degenerando con el transcurrirde los decenios y las relaciones producidas entre los miembros del clan. Esto queda simbolizado en el momento en que el vampiro una vez liberado elige como primera víctima a su madre. Pero en lugar de darle muerte, bebe su sangre y la condena a vagar en su nueva condición de no muerta. Es la venganza de un ser perturbado y pervertido.

Para ir terminando, quedémonos con varios detalles que han pasado ya a la inmortalidad del cine como son el primer despertar de un vampiro, o el método que hay que emplear si eres mordido y no quieres estar condenado para siempre. Vayamos por partes: en primer lugar aquí acudimos a una escena grotesca a través de los ojos de Van Helsing (Peter Cushing)-como siempre más que correcto en su trabajo- quien se dirige a dar muerte a la segunda víctima del barón Meinster, una joven muchacha del pueblo. Al negársele descanso en campo santo por ser una condenada, el padre de ésta decide enterrarla en el jardín parroquial ante la desaprobación del cura. Al llegar al lugar, el caza-vampiros descubre a una mujer tumbada sobre la húmeda tierra exhortando desde el exterior a la criatura que se encuentra enterrada bajo ella, llamándola para que regrese al mundo de los vivos. La mujer es Greta, la ama de llaves de los Meinster, ahora guardiana de su joven señor, que ayuda a venir al mundo a una nueva criatura de la noche. La escena se concibe como el bizarro parto de la madre tierra ayudada por la matrona Freda Jackson.

El segundo detalle atrapado en la retina colectiva es cuando Van Helsing tras ser atacado en el molino donde se ocultan los vampiros, agarra un hierro incandescente, al rojo vivo, y lo aplica sobre la herida. El contacto es mortal: pierde el sentido pero aún con fuerzas para agarrar el agua bendita que lleva consigo y limpiar la quemadura. El resultado es que la mordedura desaparece y él se salva.

Un último detalle muy criticado no ha sido sólo el barroquismo cromático empleado para la fotografía de Jack Asher, sino el gusto por darle protagonismo al uso de las sombras. El final del film no deja indiferente a nadie, elogiadores y críticos en acuerdo o desavenencia por cómo se cierra la historia con la luz de la luna proyectando sobre las aspas del molino una gigantesca cruz sobre el vampiro.

Quien busque sustos no los encontrará a estas alturas del siglo XXI, ya que hablamos de una película del año 1960. Quien busque sangre y mucho morbo transgresor tampoco; pero sí un elegante argumento que deja en evidencia algunos flecos sueltos, detalles inexplicados que hasta ahora, 50 años después de su filmación, aún nadie se ha atrevido a cerrar.

Con el comienzo de la nueva campaña de Uniradio, Ela Hernández, Alfonso Merelo y este servidor que escribe, Antonio J. Sánchez, dimos paso a la segunda temporada de A través del espejo, programa de cine y literatura de género fantástico. La primera emisión de esta nueva incursión en las ondas univeristarias versó en mi apartado de cine sobre la figura del actor de cine de terror, ciencia ficción y fantástico Sir Peter Cushing (Surrey 1913, Canterville 1994).

El tema fue elegido a tenor de la entrevista previa que tuvo la deferencia de conceder al equipo Javier Márquez, subdirector de Cambio 16, ensayista y escritor de relatos fantásticos, que en este mes de octubre publica su primera novela La fiesta de Orfeo (Editorial Almuzara, 2009). En este libro, Márquez nos ofrece una historia de misteriosos y bizarros asesinatos producidos-ficticiamente en sus páginas, claro- a la misma vez que se rodaba la primera de las cult-movies que haría legendaria a la factoria británica Hammer Films, aquella que nos vestía a Peter Cushing a veces de malo como en el caso del barón Victor Frankenstein, y a veces de héroe como en el caso del cazador de vampiros Van Helsing, simpre tras las huellas de Drácula-Christopher Lee.

Esa primera película era La maldición de Frankenstein (Terence Fisher, 1957) y en la novela de Javier Márquez uno de sus protagonistas es el mismísimo Peter Cushing. Durante la entrevista, Márquez nos confesaba haberse puesto en contacto con Christopher Lee para poder hacer uso de su nombre y figura en la ficción de La fiesta de Orfeo, pero Mr. Lee se negó a ello, aunque le mostró su agradopor la intención.

Con esta premisa, pudimos abordar la figura de este actor, quien desde muy temparana edad supo que sus pasos le llevarían al mundo de la interpretación, algo que le venía de herencia puesto que su familia estaba muy vinculada al mundo de la farándula: su abuelo era director de una compañía de teatro, sus tíos eran actores y bailarines…De modo que desde joven, Peter Cushing comenzó su incursión en las tablas londinenses haciendo pequeños papeles secundarios, como figurante y también haciendo de chico para todo. Peter fue un tipo visionario y supo que al teatro se le acabab el rollo con la consolidación del cine, de manera que no tardó mucho en llegar a la meca del cine: Hollywood. Allí consiguió introducirse de manera picaresca. Un ejemplo de este último apunte fue en la película La máscara de hierro (James Whale, 1939); el director necesitaba un figurante que supiera manejar el florete, y Cushing apareció en el estudio alegando que era ducho en el arte de la esgrima, pero en realidad no tenía ni idea.

 A Cushing en esos primeros años de cine siempre se le colocaba en pequeños papeles militares y también en algun  cómico, ya que llegó a compartir escena con Stan Laurel y Oliver Hardy (el Gordo y el Flaco). Pero estalló la Segunda Guerra Mundial, y Cushing sintió la imperiosa necesidad de volver a su pais para ayudarlo alistándose en el ejército. Sin embaro, una vez allí fue descartado del servicio militar debido a determinadas lesiones y enfermedades padecidas en juventud. No obstante, el amor que sintió a su país le motivó a ingresar en un departamento de dramaturgia que organizaba funciones teatrales para los soldados británicos. Fue aquí donde conoció a la que sería al poco tiempo su esposa, la actriz Helen Beck.

Fue en estos años, entre los 40 y los 50, cuando Peter Cushing gozó de sus mejores oportunidades en el campo de la interpretación. Participó en el Hamlet de Laurence Olivier y en Moulin Rougue de John Houston con sendos papeles secundarios de peso; en ambas producciones coincidió, sin llegar a compartir escena, con otro actor británico con el que en un futuro inmediato compartiría cartel en películas que ya han pasado a los anales del cine: Christopher Lee.

Ya en los cincuenta era una-sino la primera- estrella de la ficción televisiva con series antológicas inglesas como 1984. Con su interpretación en esta serie cosecho gran éxito y multitudinarios premios, lo que le avaló para papeles principales en el cine británico. A la finalización de esta serie y concidiendo con el estreno de una de sus películas le llegó la oferta que le catapultaría: interpretar al histriónico y perverso Doctor Frankenstein en la nueva y primera versión technicolor del mito del moderno prometeo de Mary Shelley. Fue en 1957 cuando se estrenó La maldición de Frankenstein, un film vilipendiado en su día y que la crítica tildó como violenta y desagradable, pero hoy encumbrado como ejemplo del fantástico a seguir.

Peter Cushing haría del barón Frankenstein hasta en 6 ocasiones. Nunca rechazó este papel de villano, un rol que le encantaba interpretar sin miedo al encasillamiento, y donde nos presenta un personaje frío, sin escrúpulos y calculador. El terror recae con más incisión sobre la figura del científico que de sus criaturas.

A este éxito le siguió otra joya de la literatura universal, la del conde vampiro inmortal creado por el irlandes Bram Stoker. En Drácula (Terence Fisher, 1958) Cushing presta su rostro no a un personaje del mal, sino del bien: el doctor Abraham Van Helsing, investigador de lo oculto y conocedor del folclore profundo, sus supersticiones y sus fantasmas. Cushing borda y fija el paradigma a seguir en cualquier interpretación posterior del cazavampiros más famoso de la historia del cine.

Para nuesto recuerdo retiniano quedará marcada para siempre la trepidante secuencia final en la que Van Helsing da muerte a Drácula tras perseguirle por los interiores del castillo, acompañado por la impulsiva banda sonora de James Bernard, el compositor que hará inconfundibles las producciones de la Hammer.

Tampoco será ésta la última vez que Cushing encarne al cazavampiros, ya que hasta en cuatro ocasiones más se armará de crucifijos, agua bendita y estacas para dar muerte a los no-muertos. Sin embargo con el paso del tiempo, las películas de Drácula bajarán su nivel de calidad, y con ellas las interpretaciones de sus actores.

A destacar estaría la que iba a ser la secuela del primer Drácula de la Hammer, Las novias de Drácula (Terence Fisher, 1960), pero donde nunca apareció ni Christopher Lee ni su alter ego Drácula. Según se comenta, a pesar del éxito de la primera, Lee no quiso volver a ponerse capa y colmillos por temor a encasillarse. Ello le traería problemas al actor británico, ya que en la verdadera secuela Drácula, Príncipe de las Tinieblas volvería a transformarse en vampiro sin pronunciar palabra alguna en pantalla durante toda la película. Se rumorea que fue un castigo del propio guionista, Jimmy Sangster.

Bueno, seguimos. Para Las novias de…, la Hammer no quería otro Drácula, pero sí que utilizó el nombre de la criatura de Stoker como reclamo comercial de un nuevo film de vampiros donde se cuidaría la misma estética y calidad en una historia que bien pudiera haberla protagonizado el conde inmortal. El actor David Peel encarnaría al barón Meinster, un vampiro al que su madre, conocedora de sus fechorías, tiene encarcelado en su castillo, encadenado a una columna.

Quien sí volvía repetir papel era Cushing como Van Helsing, aportándonos alguna novedad en referencia a la lucha contra los muertos vivientes y a cómo liberarse de la maldición que trae consigo la mordedura de un vampiro purgando la herida con un hierro al rojo vivo, algo que ya ha pasado al imaginario colectivo. Pero sobre todo, Las novias de Drácula, junto con El baile de los vampiros (Roman Polanski, 1967), pasa por ser una de las peliculas más inteligentes del género donde se tratan temas tan tabúes como la homosexualidad y el incesto.

Pasamos página. El tercer pilar sobre el que fundamentaría su fama interpretativa Peter Cushing sería otra figura literaria totalmente diferente a las descritas con anterioridad: Sherlock Holmes, el detective que Sir Arthut Connan Doyle situó en el 221B del londinense barrio de Baker Street. Un personaje que ya desde los años 40 venía interpretando Basil Rathbone, otro actor que de vez en cuando alternaba el genero de detectives para flirtear con el terror. Así lo demostraba encarnando al villano doctor en la pantalla de El extraño caso del Señor Valdemar que Roger Corman incluyó en su antología Historias de Terror (1962), basándose en varios cuentos de Edgar Allan Poe.

Pero Cushing supo imprimirle al detective un aire irónico y humorístico más cercano al de los libros de Doyle que al encarnado por Rathbone. Eso sí, la Hammer Films no llevaría a la pantalla una aventura cualquiera de Sherlock Holmes, sino una que se amoldase a su sello del horror. Y no podía ser otra que El perro de los Baskerville (Terence Fisher, 1962), donde volvería a reunir a su tridente de éxito Cushing-Fisher-Lee.

En cuanto a la recreación del personaje, el trabajo de Cushing es magnifico y explora el aspecto de la personalidad del detective más frecuentemente olvidado: su irritante (mucho más que en la novela) condescendencia, lo que le convertiría en un personaje antipático de no ser por sus fascinantes dotes deductivas. Por otro lado, la corrección de Morell en el papel de Watson es incontestable y la presencia de Lee hace que el personaje de Sir Henry Baskerville gane muchos puntos con respecto a la novela. El trabajo de Terence Fisher es, como de habitual, sobrio pero potente; la fotografía consigue crear esa sensación tétrica que debe envolver al páramo.
Como último apunte avisar de que no es muy recomendable ver esta película teniendo la novela muy fresca en la mente, ya que el guión, aunque bueno, no aguanta la comparación con la novela de Conan Doyle.

Otras aportaciones de su trabajo para la Hammer Films fueron su presencia en otras joyas como El abominable hombre de las nieves (Val Guest, 1957), La momia (Terence Fisher, 1959), La Gorgona (Terence Fisher, 1964),  Las amantes vampiro (Roy Ward Baker,1970), entre otras. Y a la misma vez, tuvo ocasión de participar en filmes de la competencia, concretamente para la otra factoria británica de terror, la Amicus, con trabajos como Dr. Terror (Freddie Francis, 1965).

Sin embargo no todo lo que reluce es oro, ya que en su vasta filmografía se alternan-sobre todo a partir de los 70- muchos bodrios que le condenarían finalmente al retiro de la indsutria filmica a mediados de los 80.  No obstante tuvo su oportunidad de ser recuperado: George Lucas se acordó de él para otrogarle en 1977 su último gran papel como el comandante Grand Moff de la Estrella de la Muerte en La Guerra de las Galaxias: una nueva esperanza.

Su mediocridad interpretativa se vio acelerada a partir de sus continuas depresiones tras la muerte de su esposa en 1971, la de su inseparable amigo y compañero de profesión Terry Fisher en 1980 y el cierre de su segunda casa, la Hammer Films.

Antes de su “jubilación” continuó trabajando para televisión, como por ejemplo haciendo de Sherlock Holmes, algo que no había hecho desde El perro de los Bakerville. Cushing sabía que su nivel de calidad iba decreciendo conforme iban pasando los años y la industria se quedaba sin ideas. Siempre las mismas historias, papeles y sin cambiar el registro. Sin embargo, eso era algo que se tomaba con cierta filosofía porque solía decir: “yo creo en los personajes que represento y en los extraños lios que organizan…tengo que creer en ellos porque es el único modo en que evito que se rían de mí y de mis películas”.

A partir de entonces se dedicaría a escribir sus biografías y publicar cuentos infantiles ilustrados por él mismo. Pero también tuvo tiempo de aparecer brevemente en la gran pantalla, como ese cameo cómico que hizo para Top Secret (Jim Abrahams, 1984). En 1988, la Reina Isabel II le otorgó la Orden del Imperio Británico por “su contribución al entretenimiento internacional”, una distinción de la que siempre se sintió muy orgulloso.

Sir Peter Cushing nos dejó un 11 de agosto de 1994, habiendo creado escuela y dejándonos para el recuerdo algunos de los mejores momentos que ha dado el cine. A su desaparición, George Lucas dijo de él: “creo que será recordado con cariño durante los próximos 350 años, como mínimo”.

El mejor epitafio para todo un caballero del cine.

Uniradio es una emisora pionera en Andalucía, ya que se gesta en una universidad que carece de Facultad de Ciencias de la Información o de la Comunicación; no obstante, su estudio se ubica en el sexto pabellón de la Facultad de Educación en el Campus de El Carmen. De esta manera queda bien clara la vocación con la que nació y continúa sus pasos: ofrecer un servicio de divulgación cultural como ninguna otra hermana mayor en las ondas lo hace, siempre siguiendo un esquema didáctico con afán de seguir conociendo y aprendiendo más allá de las fronteras conocidas.

Al fin y al cabo, en eso consiste la universidad, cocinar un caldo  muy rico en experiencias, culturas, inquietudes, gustos propios y comunes que se exporta a través de las ondas y de Internet con afán de entretener y enseñar. En su programación hay cabida para todo: desde la música más comercial a la menos conocida, pasando por el cine, la literatura fantástica, el deporte, nuestro Recreativo de Huelva, la fórmula 1, la divulgación ciéntifica, la cultura japonesa…Cualquiera que tenga la oportunidad de visitar la web http://www.uhu.es/uniradio/ podrá ver la amplia oferta de Uniradio.

Ahora afronta su cuarta campaña con la intención de multiplicar aún más su programación; por ello, hasta el día 15 de noviembre mantienen abierto el plazo de recepción para nuevas ideas y programas que tendrán cabida en su pauta de continuidad a partir del mes de enero. Si teneis ganas de dar salida a vuestras inquietudes y que se os escuche, ésta es una buena oportunidad para hacerlo. No se os pide que seais profesionales del medio, ya que el camino se hace caminando, tan solo ilusión y ganas de hacerlo.

Cuando me enteré que el estreno iba a ser en Sitges esta misma semana, no suponía, la verdad, que también iba a ser a nivel nacional llegado el viernes. Lo más normal es que una película de bombo y platillo haga su estreno en un festival y unas semanas después entre en cartelera, esperando nosotros con los dientes largos. Es lo lógico y lo que hemos visto con muchos estrenos que antes han pasado por la alfombra roja de algún certamen.

Y por eso digo que no hay dos sin tres porque parece ser, o yo al menos lo intuyo así, que el señor productor Julio Fernández- sí, ese mismo señor que prometió grandes productos de fanta-terror español con presencia anglosajona en la Fantastic Factor que al final tuvo que cerrar- estaba ansioso por abrir la taquilla de nuestras salas comerciales para en su primer fin de semana hacercaja. Y mira que es mala la avaricia, que seguro obliga a este par de realizadores a seguir exprimiendo el limón. Porque cualquiera que haya visto esta peli sabe, vuelvo a decirlo, que no hay dos sin tres.

Tras ver la peli, en este primer día de reflexión he tenido la oportunidad de leer todo tipo de críticas al respecto: desde aquellas que ponen por la nubes a Rec 2, muy por encima de su antecesora, hasta aquellos que dicen que es muy mala- y un truño-. Y es que en esto de los frikis, no hay punto medio. Pero en esta vida hay que establecer para casi todo ese justo medio aristotélico necesario, y este caso que nos ocupa es uno de ellos.

A favor he de decir que la ejecución y el trabajo de campo sigue estando al nivel de la primera parte: una realización muy cuidada, mimada y milimetrada de cómo establecer los encuadres, mantener el plano en movimiento y durante los ataques de estos zombies o infectados caníbales, con una narración en primera persona que te mete dentro de la historia, marcando el ritmo mediante alguna que otra elipse…Un trabajo chapó que convierte el visionado de una película en toda una experiencia sensorial y que te mantiene clavado en la butaca en plena tensión.

Verán ustedes, en este aspecto no se aporta nada nuevo, es lo mismo que vimos hace año y medio en el cine, con mucho susto y bote en el sillón…pero estamos hablando de una secuela y mantener el nivel de calidad en cuanto a segundas partes con respecto a primeras, es el mayor de los logros.

Seguimos ahora a nivel de argumento e historia. Era lo que pedía el público: más información sobre el caso de la Niña de Medeiros, lo que daba el golpe de gracia y el punto de giro maestro a los ultimos 10 minutos de [Rec], una historia centrada en personas recluidas en un viejo edificio de vecinos barcelonés y puestas en cuarentena por las autoridades sanitarias, que poco a poco, o lo que es lo mismo, mordisco a mordisco, van contagiándose y convirtiéndose en zombies rabiosos al estilo de 28 días/semanas después (Danny Boyle en 2002, Juan Carlos Fresnadillo en 2007), la mejor aportación al genero zombie hecha nunca y el mejor favor para explicar y hacer realista la figura del muerto vivente. 

Lo de la niña de Medeiros es la mejor excusa que he visto en mi vida en el cine para seguir explotando una idea que atrapa la atención del espectador en una espiral de morbo que no cesa. No había otra manera de afrontar la misma película, pero en esta ocasión edulcorándola con la tradicional mitología católica de celuloide, algo muy yanki pero que desde muy pequeños nos ha gustado a todos: la lucha entre las tinieblas y la luz. Por ahí van los tiros, pero abandono este apartado antes de caer el spoiler. Merece la pena verla.

Y por último, las collejas. Porque con [Rec ]2 se tendría y podría haber terminado todo de manera redondita, desde luego una gran oportunidad para quienes pagamos a la sala- y el parking, claro-, porque es lo esperamos que se haga; se tendría que haber obviado la presencia de ciertos personajes que producen un bajón en el tempo narrativo al cambiar la perspectiva de la historia de unos a otros. Tendrían que haber evitado dejar más flecos sueltos que atar, hechos de una manera forzada, detalles que no tienen sentido y que son auténticos gazapos de raccord (veáse la trampilla del desván en el ático, ya lo comprenderán cuando la vean cerrada por fuera y se pregunten “pero, ¿quién la ha cerrado?”), dejarse de historias de dimensiones paralelas en la oscuridad del ático, la aparición de pequeños niños-zombies rabiosos que me recuerdan a las horteradas del Stephen Sommers de La Momia 2 y Van Helsing, con esos bichitos raros…y por supuesto el efecto giallio al estilo del más desagradable Lucio Fulci que explica qué le ocurrió a Ángela (Manuela Velasco) al final de Rec. Se lo podrían haber ahorrado, tanto como esa sucia música que empaña la catarsis fílmica.

En definitiva, lo vuelo a decir: no hay dos sin tres, y lo peor es cuando te obliga, no la audiencia, sino los beneficios de taquilla que van a ser muchos. Y aquí hay un problema, que estaremos entrando en la dinámica hollywoodense del más difícil todavía con ejemplos claros como Saw, cuyo estreno de la sexta parte se espera para el próximo Halloween; pero si no hacen la tercera, todo será en vano.

Y ahora habrá que preguntarse cuál va a ser la excusa para entrar en el edificio de los endemoniados: ¿más bomberos? ¿Más geos?- por cierto, los geos no entran en operaciones en tandas de a cuatro, sino un mínimo de 6 efectivos por cuadrilla, aunque nadie dijo que fueran Geos o Goes- Ejem, ¿más polícias?…¿O más curas?-je,je. Y queda el qué harán, definir cuál será el móvil: ¿dinamitar el inmueble con todo lo que hay dentro y se acabaron los males.. o colocarán crucifijos y rosarios en las puertas y rociarán con agua bendita las esquinas del edificio?

Bueno…a ver con qué nos sorprenden.

Sin embargo el otro caso, el que me ocupa, es el de una criatura gestada en el vientre de una mujer a la que en su juventud un demonio- aún por conocer- le ofreció una vida de gozos y hedonismo a cambio de su alma. No se debe nunca hacer pactos con los demonios, porque al igual que hay contratos que quedan en papel mojado, los firmados por el fuego fatuo siempre esconden una cláusula que no podemos leer; a cambio y en secreto, el demonio sembró en las entrañas de la joven doncella la semilla que daría a luz a una criatura que devolvería al mundo de vuelta a un horror cósmico y primigeneo al que perteneció antes de la llegada y aparición del primero de los hombres.

El resultado es Hellboy, y su llegada cuanto menos anecdótica: un diablo venido al mundo por invocación de los integrantes de un secreto ministerio ocultista del Tercer Reich nazi, creado por Himmler, auténtico martillo del terror hitleriano. Sin embargo, algo fue mal en la ceremonia: el pequeño demonio rojo apareció en otro lugar distinto al ocupado por los alemanes. En ese otro punto se hallaban soldados aliados que cubrían el desplazamiento de agentes de un departamento paranormal estadounidense. Los científicos sabían que en aquel santo lugar profanado iba a suceder algo importante para la historia de la humanidad. En resumen, los nazis vieron frustrados sus experimentos- ejecutados por un histórico brujo ruso-, y los científicos paranormales yankies criaron al pequeño Hellboy, para un bien común y cambiando su destino para siempre.

Y es que en eso se basa sobre todo la originalidad del trabajo de Mike Mignola, realizando con su lapiz un excelente ejercicio de sencillez plástica que agradecen nuestros ojos. Deudor de referentes como el Jack Kirby de Los 4 Fantásticos, Mignola nos deleita con un sinfín de miniseries e historias cortas- precisamente en la breve extensión y en la capacidad de síntesis del autor es donde reside el éxito de la obra- guiones basados en leyendas negras de la historia y fábulas terroríficas que se pierden en la noche de los tiempos. Con un variado bagaje de cuentos y supersticiones del folclore popular europeo con protagonistas como brujas, demonios, duendes y vampiros, Mignola seduce con su fino y primario trazado infantil que destaca sobre los clarosculos y el tenebrismo de comic que pocos dibujantes como él (Mignola) o Kelley Jones han conseguido imprimir a sus viñetas, con una importante presencia del poder de la tinta negra que lo absorbe todo a su antojo.

Un gran acierto artístico enmarcado en ambientes de castillos abandonados donde se realizan experimentos extraños para traer a este mundo seres que no deberían vivir, torres derruidas en las que habitan duendes con muy mala uva, o abadías olvidadas donde moran espíritus atormentados por un horror pasado, vaticinio de un mayor terror cósmico próximo… Y todo ello condimentado con el recuerdo retiniano que nos aportaron en su día los pasajes y referencias cinematográficos de los monstruos en blanco y negro de la Universal, la fascinación terrorífica de tumbas pofanadas y símbolos cristianos en desuso que nos trajo en color la Hammer Films, o la soñolienta lugubrosidad de castillos rodeados de densa niebla y situados en imposibles acantilados sobre el mar que nos regalaron Roger Corman y Vincent Price.   

Y por supuesto el toque final que da el cariño a los escritos y creaciones de uno de los mayores mitos literarios de todos los tiempos: H.P. Lovecraft y  sus ciclos de horror cósmicos centrados figuras mitológicas y repulsivas que habitaron la Tierra antes de la aparición del hombre. Monstruosidades deíticas que se escapan a la razón humana y relegadas a una dimensión diferente a la nuestra, desde donde esperan, al otro lado- o bajo el mar- en latente sueño la oportunidad que sólo las mentes desordenadas pueden otorgarle para su regreso a la tierra que un día sometieron. 

Para los amantes de todo ello, incluido el propio Mike Mignola, en la segunda mitad de los 90 surge Hellboy- o Rojo, como le llaman sus compañeros de oficio en las versiones cinematográficas de Guillermo del Toro, películas demasiado pomposas y pretenciosas que contrastan a mi parecer con la sencillez y sobriedad maestras del creador Mignola- agente de lo oculto, deslenguado y socarrón.  

Sólo él sería capaz de arrancarte una carcajada en pleno ataque de muertos vivientes.

El detective Philip Marlowe entabla una breve amistad con Terry Lennox, millonario consorte y veterano de guerra. La frágil naturaleza existencial de Lennox hace que enseguida Marlowe sienta simpatía por él. Es por ello que el sabueso le ayuda a llegar a la frontera, desde donde Lennox tiene la intención de recuperar su vida lejos del entorno de su acaudalada mujer.  La cosa se complica cuando la esposa de Lennox aparece brutalmente asesinada en el domicilio conyugal. Marlowe se ve implicado como sospechoso y cómplice del crimen, pero está firmemente convencido de que Terry Lennox no tiene nada que ver en este sucio asunto. 

¿O si lo está? Porque ésa es la pregunta que continuamente se hace Marlowe durante toda la novela, a pesar de que a mitad de sus paginas la policía haya resuelto el caso con la aparición de otro cadáver. Porque como se suele decir, un clavo saca otro clavo. 

Se siente engañado…pero no lo quiere ni pensar. ¿Es posible que me la hayan colado? La incertidumbre le embarga, incluso cuando inmediatamente después accede a tomar las riendas de un nuevo trabajo: localizar a un popular novelista con problemas de alcoholismo desaparecido en extrañas circunstancias. Un encargo que le hacen los responsables de la editorial para la cual escribe el sujeto en cuestión, ansiosos por publicar su último trabajo. Naturalmente, la mujer del novelista es otra de las partes interesadas en que aparezca el literato, y por supuesto es el personaje reclamo para que Marlowe acceda finalmente: una mujer que enamora a primera vista y por la cual el detective se siente atraído, siempre guardando las distancias.

Desde el momento en el que se implica, Marlowe se introduce una vez más en una espiral de agentes corruptos, mafiosos, personajes esperpénticos -que bien pudieran formar parte de alguna que otra película de David Lynch-, mujeres adineradas, caprichosas y fatales, criados recelosos, vecinos con dolor de cuernos e incógnitas que resolver…

En resumen, una historia que contiene todos los ingredientes que la hacen atractiva para iniciarse no sólo en el género negro o noir sino también en el mundo de Raymond Chandler y su alter ego Philip Marlowe. Un mundo que comenzó con El sueño eterno (The big sleep, 1939), encumbrado con Adiós, muñeca (Farewell, my lovely, 1940) y que en esta tercera novela alcanza una madurez tal y como demuestra el cambio de registro y de ambiente que se desprenden de sus líneas. A través ellas saboreamos el dulce perfume de la melancolía, el abatido aroma a desdén y recuerdos que hubiésemos preferido no haber tenido nunca, y el eterno retorno al pasado que se convierte en ese nudo que te agarra la garganta. Y llegado al final – con un impresionante punto de giro de auténtico guión de Hollywood - acudimos a la resolución del enigma de la novela: Terry Lennox.

Por supuesto, el estilo de Chandler edulcora con elegancia y humor una de las mejores novelas del género, trascendiendo más allá de las fronteras del mismo. Si fue Poe el creador de la novela policíaca, Chandler la eleva a la máxima potencia. En palabras del propio editor: «El detective no sólo encarna aquí, una vez más, una honradez y rectitud que, por raras, lindan con la extravagancia, sino que a lo largo del libro, tanto él como el resto de los personajes que se imbrican en la acción, son matizados con una sensibilidad que hace que la novela trascienda de forma indudable de las convenciones del género.»

El largo adiós es más que una novela policiaca. Y es que pocas conmueven tanto como ésta, y tan hondamente. Cuando uno termina de leerla, le agarra ese pellizco agridulce de aquello que podría haber sido y no fue. Una mezcla de sensaciones que le hace a uno reflexionar y llegar una verdad como un templo: somos todo lo que hemos perdido en el camino.

El muy querido presentador y cronista deportivo Santiago Cotán-Pinto, de 77 años y de ellos 49 dedicado a la información, falleció el pasado martes 14 de Julio tras sufrir un infarto en Punta Umbría. Santiago había estado ingresado en los últimos días a consecuencia de una neumonía de la que, al parecer, se había recuperado y había recibido el alta un día antes de dejar huérfano de voz al Recreativo de Huelva. Pero no sólo a la entidad albiazul; también a la cultura onubense, sobre todo a la cinematográfica. Y es que Santiago fue una persona muy volcada con el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva y durante muchísimos años llevó para adelante el que para mí siempre ha sido el mejor de los cines que he conocido en Huelva: el Emperador.

Santiago Cotán Pinto ostentaba el cargo de presidente de la Asociación de la Prensa Deportiva de Huelva y realizaba sus funciones en CRN Atlántico, siempre siguiendo la estela del club decano del balompié español. Fue fundador de Radio Popular en Huelva en 1959 y permaneció en dicha emisora hasta su jubilación. En 2004 recibió la Medalla de la Ciudad de Huelva al Deporte, además de ser Medalla de Oro de la Federación Andaluza de Fútbol y Medalla de Plata de la Asociación Española de Periodistas Deportivos, entre otros reconocimientos.

Santiago Cotán-Pinto nació en Gibraleón en 1933 y tras finalizar sus estudios de Derecho en Sevilla, descubrió su pasión por la radio y el deporte. Su carrera profesional se ha desarrollado en diferentes medios de comunicación de prensa y televisión, aunque sobre todo ha destacado como periodista radiofónico.

Nunca tuve la oportunidad de hablar en persona con él, pero me consta por sus compañeros de los medios que era una persona muy querida, un personaje afable y entrañable que se dedicó a los que más le gustaba: el periodismo deportivo, algo que descubrió mientras estudiaba Derecho, carrera que no abandonó por respeto a su padre D. Rafael Cotán, maestro de escuela en Gibraleón. Tan sólo en un par de ocasiones le telefoneé para invitarle a participar en alguna que otra tertulia sobre cine.

Descanse en Paz.

Un tiburón ronda y causa pánico en un pequeño pueblo llamado Amity. El jefe de la policía local urge a los funcionarios de la localidad a que cierren la playa hasta poder cazar al elusivo pez; sin embargo los intereses salen a relucir y a generarse conflictos en el pueblo.

Qué mejor manera de comenzar este blog en verano que con una lectura fascinante…al menos para mí. Pude hacerme con este best-seller el pasado verano de 2008 por Ebay, ya que sólo puede adquirirse con facilidad en este tipo de páginas web y en otras dedicadas a coleccionismo o venta online de libros; aunque también puedes tener la casualidad de tu lado y tropezarte con el escualo más famoso de la historia en alguna vieja librería o feria de ocasión. La cosa es que cuando buscas algo con fervor, no siempre la tienes contigo. Pero si tienes la oportunidad de tenerlo al alcance de la mano…no lo dudes, hazte con él y disfruta del estilo de este ya fallecido periodista (murió en 2006 a los 65 años).

Peter Benchley supo imprimirle a la narración de su primera novela un estilo ácido que pronto caló en la sociedad estadounidense de la época. Su historia supuso todo un escándalo, y no sólo por la brutalidad que representaba la amenza del gran escualo que se cuela en las tranquilas aguas de un balneario de Long Island, sino la cruda realidad que representan los otros ”tiburones” que pululan sobre tierra firme y que controlan esta pequeña localidad costera, Amity Island, un lugar que depende de las ventas de todo un verano para poder sobrevivir el resto del año. Por lo que los peces gordos de la comunidad se convierten en una especie de mafia que intenta silenciar los devaneos carniceros del monstruo marino para que no dejen de llegar turistas y prosperen las ventas y los alquileres de verano.

Benchley supo desprenderse del pudor de sus contemporáneos compañeros literatos para sacar a la luz todo lo oscuro de las respetables esferas de alta sociedad yanky, la hipocresía y el desprecio, así como introducirnos en el farragoso terreno de la infidelidad en círculos impensables como una familia modelo norteamericana. Todo un escándalo y donde se concentra la crítica periodística de la pluma de Benchley.

¿El por qué habría que leer la novela de una película que hemos visto cienes y cienes de veces? Pues muy sencillo: las tramas de fondo ya expuestas como otros temas enriquecedores de esta conocida historia, la sencillez con la que se puede escribir una primera novela, un tono que sigue fresco como el primer día después de 36 años, el humor que se desprende de sus paginas, el aroma vintage veraniego que te embarga durante la lectura, pasajes y capítulos desconocidos con el que disfrutarán los amantes de la película, un final distinto…

En fin, son muchas las razones por las cuales recomendaría leer Tiburón, pero sobre todo aquella que dice que el saber no ocupa lugar. Nunca está de más conocer qué criaturas aguardan en las profundidades marinas mientras uno se mete en el agua a chapotear para contrarrestar los efectos del lorenzo. En fin…

¡ Cuidado con las aguamalas !

Aún me encuentro en plena fase de asentamiento y poniéndome al día pero con bastante lentitud ya que no soy un conocedor del mundo bloggero y no sé cuáles son sus limitaciones.

Espero que os guste el contenido, o al menos que lo encontreis interesante.

Un saludo.